9.20.2017

Auditorio primavera

*Acción colectiva

¿cómo supervive "un disco" cuando sus formatos físicos van mutando?
invitando a amigos a remixarlos

eso será el ciclo auditorio primavera

una noche sonora y reunión visual con la participación de referentes, artistas, músicos, escritores y djs.
cada invitado escogió un tema del disco mediodía de mi vida* y creó un nuevo remix/remezcla, derivando en otro sonido, en un vídeo, una imagen o en un texto... 
en vivo intervenciones back to back de la obra de cada artista y un gran baile final de cierre. 

participan:
gustavo nieto
alma laprida
alvaro cifuentes
eduardo ferrer
francisco di gianni
diego bianchi
agustín lobo
triana leborans
victor lopez zumelzu
leopoldo estol
matías tomás, 
gema calderó danna
federico carlorosi
luis hernández mellizo
andrés aizicovich
daniel edwin alva torres
héctor barreiro,
julieta tarraubella
dani nijenshon
ananké asseff
pola diaz mendilaharzu

*mediodía de mi vida rubén zerrizuela
presentado en fundación proa 12/2016 . © sonido es salud

escuchar/bajar:
https://soundcloud.com/dj-baywatch/sets/mediodia-de-mi-vida
algunos videos:
https://www.youtube.com/watch?v=bGWwf9-u7ZQ&t=2016s
https://www.youtube.com/watch?v=5zjk_-TgIkk
Auditorio Espacio Tucumán. Suipacha 140, CABA. Argentina


9.19.2017

Working Dead | Arte y trabajo

*Muestra colectiva



Inauguración: Jueves 21 de Septiembre de 2017. 19:30hs.
Museo Genaro Perez. Avenida General Paz 33.  Córdoba, Argentina

WORKING DEAD / ARTE Y TRABAJO 
CURADOR: GUSTAVO PIÑERO

SOBRE LA MUESTRA
Working Dead/Arte y Trabajo es una exhibición con obras y textos de artistas con visión crítica y compromiso sobre la situación del artista como trabajador. Andrés Aizicovich, Cotelito, Santiago Chierico, Lino Divas, Leon Ferrari, Pablo Guiot, Luis Hernandez Mellizo, Gumier Maier, Quinquela Martin, Paula Masarutti, Lucas Mercado, Angel Pacheco, Ricardo Pedroni, Gerardo Repetto, Revista Boba, Juan Carlos Romero y Mario Scorzelli bajo la curaduría de Gustavo Piñero.

Se reflexiona sobre la situación del productor cultural y las condiciones en las que se trabaja en las artes visuales, la flexibilización laboral y la pérdida del trabajo entre otros enfoques. Un conjunto de obras de diferentes materialidades, videos, dibujos, pinturas y dispositivos instalados, tienen su recorrido en las salas del primer piso del Genaro Pérez.

¿Es el arte un trabajo? ¿Cuáles son las condiciones en las que se desarrolla este trabajo? ¿Qué significa la profesionalización en las artes visuales?

El tema de la muestra es un punto de partida para preguntarnos sobre el rol que ocupa el arte en nuestra sociedad, cuál es su marco laboral desde las prácticas y como se vincula con el mundo del trabajo.



TEXTO CURATORIAL por Gustavo Piñero

Cualquier cuestionamiento surge de una tradición, de un dominio práctico o teórico de la ´herencia´ que está inscrita en la estructura misma del campo, como un ´estado de cosas, oculto por su propia evidencia, que delimita lo pensable y lo impensable y que abre el espacio de las preguntas y las respuestas posibles.
(Bourdieu, 2002:361)

En la secundaria iba a un colegio técnico[1]. En una oportunidad tuvimos que hacer una entrevista a un hombre que trabajaba la piedra, un picapedrero. El trabajo parecía simple, golpear con fuerza con un cincel y un martillo cada una de las piedras que llegaban a sus manos. Un golpe, dos golpes, tres golpes. La mano vibraba al ritmo de la fuerza que se descargaba sobre el material. El brazo vibraba. El hombro vibraba. Había un gesto en sus ojos. Su edad era de unos cincuenta años, pero estaba muy desmejorado.

¿Es el arte un trabajo? ¿Cuáles son las condiciones en las que trabajan los intelectuales de la cultura, en particular los artistas visuales? ¿Qué significa la profesionalización en las artes visuales?

Cuando se realiza una muestra, las personas que trabajan en un museo cobran por su trabajo. Las horas de productores, diseñadores, enmarcadores, montajistas, electricistas, sonidistas son pagadas. Sólo el artista no cobra por aportar el contenido.
Se presume que el capital simbólico que el artista acumula por la participación en dicha exposición es suficiente para cubrir su pago. ¿Y si el artista es alguien que trabaja con algo intangible? ¿Le sirve al artista este canje? ¿La espera entre la cantidad de presentaciones gratuitas y el momento de la supuesta recompensa tiene sentido?
Esta muestra reúne el trabajo de un grupo de artistas, algunos que hablan específicamente del artista como trabajador, otros, de la necesidad de colegiarse, de la falta de conciencia desde lo público y el compromiso con lo privado, del trabajo y la flexibilización laboral, de la pérdida del trabajo, entre diversos enfoques.
Creo muy valioso pensarlo desde acá, desde el museo pues, a decir de A. Fraser: ´Mi compromiso con la crítica institucional parte del hecho de que como artista y escritora las instituciones artísticas y académicas son los lugares donde se sitúa mi actividad…´

…Y la cabeza vibraba.

ANTECEDENTES TEÓRICOS
Entre los antecedentes previos para el desarrollo de esta muestra, se cuentan los debates de la Asociación de Artistas Visuales de Córdoba y la acción realizada en el Museo Caraffa el 13 del 12 del 2012 en donde se entregaban pequeños folletos que decían “¿sabe cuánto cobra un artista por su trabajo?”, la muestra Las buenas prácticas, en el Cepia curada por el grupo 10, la Revista Boba número 2, Artistas Organizados de Bs. As., el libro Es el arte un misterio o un ministerio y la Plataforma La Unión entre otras.

[1] E.N.E.T Nº 2, Ing. Carlos A Cassaffousth – Córdoba.




9.12.2017

$oporte. El uso del dinero como material en las artes visuales / $upport. Money as material in visual arts

*Publicación / Book publishing
Libro que referencia e ilustra algunas obras de LHM en el texto principal y en un ensayo anexo de Alvaro Cifuentes

Autor: Hernán Borisonik






























El paisaje en ruinas de nuestro presente parece inescrutable. Sin
embargo, este libro nos provee una nueva cartografía, a la que
acompaña de una pregunta política: ¿qué ocurriría si el texto cifrado
de nuestro tiempo no fuese sino legible a partir de un código
condensado en el dinero? A partir de allí, un criptoanálisis artístico de
los tiempos del capitalismo tardío se despliega implacable. La “era de
literalidad” parece moldear las formas según el dinero: todos los
objetos del mundo, cada uno de nuestros deseos más íntimos y, en
definitiva, el mundo mismo en su totalidad sufren una alquimia feroz
según el impulso de una reescritura monetaria de la vida. Si el dinero
es una obra de arte, ¿cuál es el espacio del arte en el mundo del capital?
En su estremecedora respuesta, este libro es a la vez un llamado, el
último llamado, para que el lector despierte, junto con el arte, a una
nueva política. / 
The ruined landscape of our present appears inscrutable. Nevertheless,
this book provides us with a new cartography, accompanied by a political
question: what would happen if the ciphered text of our time could only
be understood through a condensed monetary code? With this as the
starting point, an artistic cryptanalysis of the age of late capitalism
unfolds relentlessly. The “era of the literal” appears to shape forms
according to money: all the objects in the world, each one of our most
intimate desires and -in short- the entire world itself, suffer a fierce
alchemy according to the impulse of a monetary rewriting of life. If
money itself is a work of art, what is the place for art in the world of
money? With its disturbing answer to this question, this book is a call –
the final call – for the reader to awaken, alongside art, a new politics.


Fabián Ludueña Romandini


Edición bilingüe español inglés. 202 páginas color, 1ª edición agosto de 2017. ISBN: 978-84-16467-96-9. Formato 14,5 x 22,5 - Rústica. Colección Biblioteca de la Filosofía Venidera

El libro puede ser adquirido aquí:
http://www.minoydavila.com/oporte-el-uso-del-dinero-como-material-en-las-artes-visuales-upport-money-as-material-in-visual-arts.html
El libro puede ser consultado aquí:
https://www.academia.edu/34411526/_oporte._El_uso_del_dinero_como_material_en_las_artes_visuales_upport._Money_as_material_in_visual_arts

9.10.2017

Sobre (aún sin nombre) de Pablo Rosales

*Texto


video

Sobre (aún sin nombre) de Pablo Rosales

“El arte de la grandeza solo se logra con altura”
Anónimo


El artista visual a veces solo necesita de alguien que trascriba de manera coherente y técnicamente correcta una serie de ideas que piensa y logra verbalizar. Algún periodista o curador, por ejemplo, escucha e interpreta y ajusta un texto narrativo que da luces de esa obra visual.  Otros textos a veces son malas poesías, conjuntos de referencias históricas o filosóficas, o el intento de una versión escrita de lo visual a manera de “He reflexionado mucho”. A veces los anglicismos, las referencias astrológicas o el uso indiscriminado de los argots intentan darle un aire joven o único a las muestras por medio de sus textos.
En un contexto local con la casi ausencia total de critica a veces solo cansa la palabra y es preferible dejar las obras sin las palabras circundantes usuales y empieza a caber la pregunta de que si esa es la clase de textos que tenemos ¿Porque los necesitamos?, ¿Para que queremos buscar en lo escrito algo de inteligibilidad si no lo logramos en lo observado? La palabra Genio tan usada genérica e indiscriminadamente hace que una acción de sentido común sea aceptada como grandilocuente en contraste con un montón de no-genialidades porque son casi anónimas o indeterminadas, o simplemente porque alguien no las ve o registra. En donde no hay chispazos sino procesos de encuentro y sentido sí, bastaría con revisar las publicaciones de los artistas visuales en sus redes sociales para proyectar su conciencia del diseño de sí mismo y entender porque a veces es importante no ponerle palabras a algo.

Para su exposición (aún sin nombre) Pablo Rosales mas o menos tomo la decisión de que no iba a tener un texto. Este mismo que ahora lee es publicado solo en el cierre de la muestra, a manera de epitafio podría decirse porque aún lo no nominado, lo anónimo, el mudo o el desaparecido dicen algo.
La muestra consiste en una multitud de mascaras, para ser otro si se quiere, pero todos indiferenciados y pequeños. Son mascaras diseñadas a partir del recorte de una hoja de papel plegada, lo que le da una escala y simetría reconocible percibida como rostro; una pareidolia que se reproduce y se fija luego recortándose cuidadosamente en tablas de madera con huella vegetal que luego funcionan como planchas xilográficas para estampar papel y multiplicarse. Dispuestas sobre diez dispositivos verticales zigzagueantes de piso a techo esos rostros con ojos, nariz y boca parecen desposeídos, alguien sin nombre o el anónimo al que se le adjudica la cita propia de la sabiduría popular. Estructura, objeto-plancha y estampa conforman la intervención en la sala de exposiciones.
Hacerse un nombre como artista, autodenominarse así sin dudarlo y ganarse la vida como tal hacen parte de algunos de los parámetros con los que actualmente mediríamos su éxito.  Rosales sin mascara se reconoce de baja estatura, no emergente y no artista “genio”; por lo menos no en materia de reconocimiento, difusión y ventas. Pero sí vemos que el petizo de Rosales es un alto artista.

LHM Septiembre 2017

Agradecimientos a Estefania Mateo, Pablo Rosales y Benedetta Casini

8.15.2017

Libreta de apuntes / Notebook

Publicación conmemorativa de los diez años de la galería nueveochenta.
72 páginas 9.5 x 14 cm. 1000 ejemplares
Imágenes basadas en obras de los artistas Jaime Tarazona, José Olano, Esteban Peña, John Castles, Beatriz Olano, Kevin Simón Mancera, Luis Hernández Mellizo, Fernando Uhía, Juan Carlos Delgado, Ricardo Rendón, Ana Mercedes Hoyos, Jaime Ávila, Aldo Chaparro, Juan Fernando Herrán, Marcela Cárdenas, Léster Rodríguez, Natalia Castañeda y Saúl Sánchez. Diseño de Jardín publicaciones.

7.26.2017

Extensión Cultural

*Exposición colectiva





















El Centro Colombo Americano de Bogotá tiene el gusto de invitarlos a la apertura de la exposición temporal, Extensión Cultural, una curaduría de Guillermo Vanegas mediante la cual se contextualizan algunas de las obras de colección del Colombo respecto a la historia del arte del país, desde la década de los 60 hasta el año 2012. Los esperamos el jueves 3 agosto a las 6:00 pm en nuestra sede centro, calle 19 N. 2ª-49. Entrada libre.
Jueves 03 de Agosto de 2017. 6pm
Calle 19 No 2A-49. Bogotá, Colombia

6.04.2017

Álbum#2: Imágenes de la distopia

*Exposición colectiva

Desde el 18 de mayo está abierta la muestra 'Álbum#2: Imágenes de la distopia, mirada sobre la Colección José Luis Lorenzo' con curaduría de Carina Cagnolo. 

Espacio Colón 
Av. Colón, 76, Piso 7, Depto. 14, Córdoba, Argentina

En curso hasta octubre de 2017

5.23.2017

arteBA

*Feria de arte































arteBA 2017
La RuralPredio Ferial de Buenos Aires, Argentina
Nueveochenta stand C6
Del martes 23 al sábado 27 de mayo 

5.02.2017

Destierro

* Exposición colectiva







































El Ministerio de Gestión Cultural de la Provincia de Buenos Aires, a través del Museo MAR, dará inicio el próximo 6 de mayo al Ciclo Jóvenes Curadores con la nueva muestra Destierro, que incluirá obras de cinco artistas plásticos contemporáneos.

El Museo MAR comienza, con su nueva muestra Destierro, un Ciclo de Jóvenes Curadores, que abordará áreas específicas del arte contemporáneo en diferentes exhibiciones que tendrán lugar durante 2017 y 2018. Podrá visitarse desde el próximo sábado 6 de mayo hasta el 2 de julio con entrada libre y gratuita.

Esta primera muestra, curada por Máximo Jacoby y Luz Rodríguez Penas, hace foco en las artes plásticas y reúne a los artistas Inés Raiteri (Mar del Plata), Amadeo Azar (Mar del Plata), Diego Melero (Santa Fe), Daniel Romano (Buenos Aires) y Luis Hernández Mellizo (Colombia). La siguiente tomará como base la fotografía, y el año próximo continuará con la exploración de lo textil y la arquitectura, creando un nuevo espacio de producción y reflexión en torno al arte contemporáneo.

Destierro propone analizar cómo el origen de nuestra cultura nació en y desde el destierro. El exilio, los éxodos y la pérdida de pertenencia por diversas razones configuran la referencia para el comienzo de un viaje de descubrimiento, exploración y desarrollo entre el conflicto y la aventura.

La propia historia argentina nace en los destierros cíclicos y está atravesada por el daño indeleble del exilio forzado por las dictaduras y la persecución política e ideológica. Migraciones, guerras, la historia de la colonización y descolonización, movimientos sociales junto a historias de la vida cotidiana, se condensan en esta figura pendular tan poética como traumática.


El Museo MAR (Félix U. Camet y López de Gomara) abre días de semana de 9 a 17h; sábados, domingos y feriados de 12 a 20h; miércoles cerrado. Entrada libre y gratuita.


4.21.2017

La ene Al aire libre, Arte e Ideología

* Exposición colectiva







































En septiembre de 1972, durante el gobierno de facto del Comandante Lanusse, Glusberg organizó la exposición Arte e ideología, CAyC al Aire Libre en la plaza Roberto Arlt. Una muestra colectiva de la que participaron sesenta artistas y que reivindicaba capacidad del arte de constituirse como “crítica en acto” frente a la ideología. En este caso utilizando el espacio público para entablar un diálogo con la sociedad argentina. La muestra fue clausurada por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires pocos días después de su apertura argumentado que “la expresión de arte se había desvirtuado, dándolese un carácter subversivo”.
Al recrear esta exposición La Ene busca revisitar la historia del arte Argentino, con el objetivo de encontrar nuevos sentidos en esta experiencia que nos ayuden a comprender y enfrentarnos a nuestro presente.
Participantes en la exhibición La Ene al Aire Libre, Arte & Ideología
Beatriz Arraiano / Valentín Demarco
Ricardo Amadasi / Tobias Dirty
Roberto Aizemberg / Constanza Giuliani
Jacques Bedel / Estrella Estevez
Luis Benedit / Sol Pipkin
Juan Bercetche / Esteban Álvarez
Cecilia Buyaude / Marcela Sinclair
Elda Cerrato / Mariela Scafati
Carlos Claiman / Pablo Rosales
Hebe Conte / Alvaro Cifuentes
Jorge Duarte / Andrés Aizicovich
Roberto Duarte Laferriere / Martín Legón
Gregorio Dujovny / Ramiro Oller
Carlos Espartaco / Martín Farnholc Halley
Mercedes Estevez / Maricel Nowacki
Jorge Frascara / Gastón Persico
Mederico Faivre / Osías Yanov
César Fioravanti / Ivana Vollaro
Jorge Gamarra / Marisa Rubio
Nicolás García Uriburu / Cotelito
Carlos Ginzburg / Mario Scorzelli
Haroldo Gonzáles / Flavia Da Rin
Víctor Grippo / Gabriel Chaile
Grupo K-17: Eduardo Marzano, Bernardo Rudoy, Alfredo Vozzi / Básica Tv
Grupo Blanco Espacio Humano: Daniel Calderón, Humbergo Gulino, Martín Dhrosso, Rut Klinger, Malena Marechal, Esteban Peleaz. / Provisorio Permanente
Uzi Kotier / Sebastián Mercado
Eduardo Leonetti / Luis Hernandez Mellizo
Jorge Lezama / Juan Reos
Adalberto Marzano / Laura Códega
Oscar Maxera / Juan Giribaldi
Vicente Marotta / Valentín Pelisch
César Mazzitelli / Laura Ojeda Bar
Arturo Montagu / Paula Castro
Movimiento Música Más: Norberto Chavarri, Jorge Laborde / Erroristas
Moisés Nusimovich / Nicolás Robbio
Luis Pazos / Daniel Alva Torres
Leonardo Perel / Nicolás Bacal
Alfredo Portillos / Martin Bernstein
Alberto Pellegrino / Walter Arancibya
Juan Carlos Romero / Joaquín Aras
Ricardo Roux / Francisco Medail
Martha Raffo / Nani Lamarque
Osvaldo Romberg / Fátima Pecci Carou
Nathan Saniewicz / Gala Berger
Elsa Soibelman / Pilar Villasegura
Jaime Silvera / Santiago Villanueva
Enrique Sardi / Rosario Zorraquín
Julio Teich / Marcelo Galindo
Sábado, 29 de abril de 2017 a las 16:00 hs

Plaza Roberto Arlt

Calle Esmeralda 34 - CABA, Argentina

2.22.2017

ARCO Madrid 2017

* Feria de arte, publicaciones





















En el marco de la feria ARCO Madrid en febrero de 2017 Big Sur mostró algunos libros en la sección de publicaciones.

2.01.2017

Projecto Multiplo





O PROJECTO MULTIPLO funciona como una colección itinerante que circula obras de arte en formato impreso producido en Latinoamérica. Con una estructura de exposición móvil el Projecto Múltiplo presenta trabajos realizados a partir de la idea de edición tales como carteles, libros , periódicos, revistas, billetes, fanzines, sellos, adhesivos, etc..Para cada muestra del proyecto se hace un proceso de investigación que se da simultáneamente con la exposición por medio de una convocatoria local a fin de agregar nuevos artistas. 

O PROJECTO MULTIPLO parte de um modelo de exposição que possa funcionar como plataforma para apresentação e circulação de trabalhos no formato "arte impresso", a fim de reunir uma parcela do que esta sendo produzido hoje na América Latina. Com uma estrutura de pequeno porte, o Projecto Múltiplo apresenta trabalhos realizados dentro da ideia edição, tais como poster, livros, jornais, revistas, cédulas, fanzines, selos, adesivos, etc.. Para cada exibição do projeto há um processo de pesquisa que se dá simultaneamente a exposição por meio de uma convocatória local, a fim de agregar novos artistas.


El PROJECTO MULTIPLO # 12 sucedió en Colombia. En Pasto en el espacio independiente El Nido y en Cali en Lugar a dudas.

Mas información en:
http://projectomultiplo.blogspot.com


1.10.2017

Publicaciones 2016



Compiladas las publicaciones del año 2016:

- Revista ArteBA #1. Reseña fotográfica y texto de la muestra El papel del trabajo en Big Sur. Buenos Aires, noviembre de 2015.
- Libro bosquejar esbozar proyectar [tomo II]. Curadores Santiago Bengolea y Javier Aparicio. Buenos Aires, abril de 2016.
- Catalogo ATLAS #2 ¡Otros mundos, ahora! Curaduría de Emilio Tarazona en la Camara de Comercio de Chapinero en Bogotá, julio de 2016.
-Catalogo 2015-2016 del espacio PERMANENTE en Bogotá.


12.09.2016

Portada del libro PECUNIA Diez escritos políticos sobre economía




Libro publicado en diciembre de 2016 en donde fue puesta la pieza -La vestidura del pueblo- en la tapa. Editor: Hernán Borisonik. Compaginado desde TeseoPress

Una versión electrónica del libro puede ser vista o descargada desde el enlace:
http://www.academia.edu/29782597/PECUNIA._Diez_escritos_pol%C3%ADticos_sobre_econom%C3%ADa

10.01.2016

Sobre IUS SOLIS / Apropiación del suelo de Maria Candelaria Traverso




* Coordinador y tutor


























El sábado 1 de octubre de 2016 fue la apertura de La Mancha #4 a cargo de Paula Valenzuela Antúnez y de IUS SOLI Apropiación del suelo de Maria Candelaria Traverso en La Paternal Espacio Proyecto LPEP. Son dos proyectos que coincidieron en fecha y lugar, uno en papel de coordinador y otro como tutor. 
El blog de La Mancha: http://proyectolamancha.blogspot.com 
Y el texto elaborado para la muestra de residencia de Maria Candelaria Traverso:



Sobre IUS SOLIS / Apropiación del suelo

“Solo el pueblo salvará al pueblo”
Raimundo Ongaro

Por aquella razón básica de encontrar como hacerse una vida y no sufrir de hambre, diferentes comunidades crean redes de comercio con productos de segunda mano provenientes de los Estados Unidos y recientemente de Japón y Europa. Productos de marcas de países desarrollados son fabricados en países pobres, llevados a los desarrollados para estrenarse y ser desechados después de un ciclo de uso, allí no hay espacio para la ruina, retornan a los pobres y son usados nuevamente. Desempeñar este tipo de actividades no hace parte de la vida que proponen las convenciones del sistema de la sociedad actual. Si bien no es una actividad ilegal, se encuentra al margen de los principios de orden y progreso; es una posición emergente y periférica en donde se desempeñan grupos humanos que trascienden u omiten divisiones sociales o políticas.
Es entonces un trabajo fuera de los esquemas de contratación que resiste a los logotipos, los estilos de vida y las experiencias de usar lo que promueven las grandes marcas en una diversidad cerrada. Si los objetos tienen dos tipos de valor, de uso y de cambio, entonces las mercancías valen en la medida que le sirven a alguien que las usa. El re-uso de éstas entonces es un nicho a el tiempo y a la fuerza de trabajo que costó su elaboración. Es el encuentro de una plusvalía residual en el sistema de mercado que agobia a los trabajadores.

Una analogía a las comunidades:  La ropa que después de ser fabricada es enviada y usada, regresa para ser re-usada en nuevos cuerpos que son, así mismo, tratados por ese sistema como ciudadanos de segunda.

En este mercado, las prendas de vestir -deportiva, logotipos y colores por tendencias- son releídas por sus nuevos usuarios. El sentido de la prenda en su segundo uso se vacía de esa significación para pasar a se leída en su estructura más básica: Uso practico, conjugación y combinación de formas y colores. Sus bajos precios hacen que sean posibles de adquirir porque ya no hacen parte de los ciclos de producción que determina el mercado de la moda, es un interés pragmático.
Se amplia así un espacio de derecho de expresión individual en donde la censura no tiene lugar. Las prendas se usan y conjugan de una manera que tal vez jamás imaginarían los diseñadores y publicistas de esas marcas, por ejemplo se combinan con ropa tradicional, se recortan o intervienen con tachas y parches. Son conceptos de diseño y belleza diferentes, otro tipo de manifestación estética dado que la ropa es la primera frontera física que trascienden quienes la usan.

Los espacios periféricos de estas redes, su carácter relacional, los vínculos con los puesteros y el manejo de los fardos los conoce bien la artista Maria Candelaria Traverso, es ella misma una trabajadora del sector, además, Traverso ha tomado estos objetos como material de trabajo artístico. En obras anteriores las ha dibujado como objeto de estudio, ha utilizado los fardos para hacer un refugio y ha hecho mapas con los países que mencionan las etiquetas de las prendas. Ahora en esta misma lógica de producción, Traverso en el marco de su residencia en LPEP ha recurrido a otro lado de la producción de las mercancías; las tradicionales hechas por las comunidades que se apropian de la forma, por ejemplo, de los personajes de dibujos animados que han sido más populares como un nuevo motivo de sus productos. Ellos no crean copias ni falsificaciones, crean realmente nuevos productos identificables. El Chavo, Bob Esponja, Mickey Mouse y la Pantera Rosa entre otros se adaptan o re-utilizan en versiones extrañas por causa de las consideraciones pragmáticas de quienes tejen.

Traverso como a casi todo artista en la actualidad le cuesta definirse con un gentilicio, es de todos lados un poco. Esta cordobesa que vivió en Jujuy desde los 6 hasta sus 18 años buscaba a alguien que tejiera. Una ecuatoriana le recomendó en Once, zona de comercios populares en Buenos Aires, lugar de comunidades foráneas constituida principalmente por peruanos, paraguayos, bolivianos y senegaleses, a Doris, una peruana en Buenos Aires que vive hace unos 14 años en Argentina.
Doris arma un puesto modular, una base-pedestal con cajas de cartón para exhibir sus productos, lo que vende no pretende parecer algo diferente a lo que es; juguetes y prendas, son productos que desestiman las ideas de originalidad o las leyes de propiedad intelectual de occidente que la América profunda supera. Aquí se deconstruyen los objetos, se valora lo transitivo y se adapta aquello que funciona cuando hace falta en una lógica del bricolaje. Es un valor de la cultura, en donde no hay inmutables, aquí se saca provecho de la coyuntura en un proceso colectivo de apropiación y trabajo, como la identidad misma a la que pertenece. El tejer es una tradición anónima y un conocimiento colectivo, el tejer como el apropiarse en contraposición a las ideas de originalidad. De esta manera, Traverso no toma los productos de las grandes marcas sino toma el post-producto, lo ya digerido, está rebobinando en este modelo productivo.

Doris teje bajo las instrucciones de Traverso, hace pasamontañas que son artículos para la protección de las condiciones medioambientales, pero que también funcionan para ocultar la identidad o disolverla en una acción. Al usarlos se disuelve lo individual en lo colectivo, los pasamontañas tienen orificios para los ojos pero no para las bocas, lo que hay que decir está dicho en el objeto mismo, en la acción de quien lo usa. La artista también utiliza, por ejemplo, toallas que al tejerles frases de consignas políticas torna banderas o pancartas, toallas-pancartas desde lo intimo a lo publico.
Traverso teje apropiaciones, relocaliza y crea nuevos escenarios. Su autoría está en el señalamiento que evidencia las conexiones de ese tejido, produce una mediación que hace visible encuentros entre un sistema y una consecuencia social.


LHM Septiembre 2016

Agradecimientos a Franc Paredes, Maria Candelaria Traverso, Renata Cervetto y Marília Palmeira